Проблема реализма в итальянской живописи XVII – XVIII в

Караваджо – бунтарь и новатор – сыграл одну из ключевых ролей в истории изобразительного искусства. Он приехал в Рим в самом начале возникновения оппозиционного движения против маньеризма.

В числе прочих Караваджо считал живопись маньеристов и их стилистику ограниченной и искусственной. Он стал основоположником реалистического направления в живописи; его кисти принадлежат картины, наполненные драматизмом, театральными эффектами, как бы «говорящие» со зрителями. Даже создавая картины на религиозные сюжеты, художник приглашал для позирования людей из низов, мало заботясь о реакции общества. Согласно его творческому кредо, правдивое отражение жизни, основанное на изучении натуры, должно иметь приоритет перед искусственными критериями.

В итальянской живописи творчество Караваджо явилось апофеозом того, что позднее назовут барокко. Этот возникший на рубеже XVI-XVII столетий стиль характеризуется неистовостью, бурной динамикой образов, неистовостью чувств, контрастами света и тени. В это время в Италии началась контрреформация. Церковные картины, эмоционально воздействующие на верующих, вызывали у прихожан восхищение, переходящее в религиозный экстаз, и преследовали одну цель: укрепить господство Римской церкви. Этому, как не парадоксально способствовало творчество Караваджо, хотя каждая из созданных им картин неизменно вызывала скандал. Никола Пуссен, который после смерти Караваджо побывал в Риме, сказал о нем: «он пишет, чтобы разрушить живопись». Шок, который вызывали произведения мастера при его жизни, не смог помешать забвению его имени после смерти. Прошло три столетия, прежде чем имя Караваджо вновь воссияло на небосклоне искусства. Это заслуга итальянского историка и критика Роберто Лонги, который в 1920 году «воскресил» имя художника в сознании широкой публики специалистов. Только тогда по-настоящему осмыслили и оценили подлинный масштаб творчества Караваджо. Лонги впервые определил влияние искусства мастера на все XVII столетие.

«После него искусство уже не могло быть таким как раньше. Его новаторство означало основополагающее и безвозвратное изменение эмоциональных и интеллектуальных отношений между художником и предметом его творения», - пишет Джулиано Бриганти.

А Андре Берн-Жоффруа говорит: «То, что начинается после эпохи Возрождения с Караваджо, это демократичное, простое и действительно новейшее искусство».

Современники считали Караваджо скандалистом, провокатором и невыносимым человеком. Это мнение сохранилось и после его смерти. Не без помощи биографа Караваджо Джованни Бальоне, расхожим стало мнение, что Караваджо заимствует сюжеты для своих картин и перенимает манеру некоторых мастеров, в результате чего художника отнесли к плагиаторам. Его собственные произведения приписывались кисти соперников по искусству - известных, зарекомендовавших себя живописцев с устоявшейся репутацией. Критик Бернард Беренсон, выражая мнение некоторых знатоков живописи, утверждал, что «во всех его картинах преобладают неестественные контрасты света и тени, а изображенные им толстые и вульгарные персонажи святотатственно принимают образ Христа или апостола картины переполняют толпы мужчин и женщин с порочными и опухшими от пьянства лицами».

Такое новшество, как светотеневые эффекты, которое художник использовал для усиления эмоционального напряжения, также не было понято и оценено современниками и не заслужило доброжелательных отзывов. Художник в своих картинах намного опередил рождение натюрморта.

Цель работы проследить эволюцию творчества художника, проанализировав наиболее яркие, по мнению автора, произведения Караваджо.

Биография.

Микеланджело Меризи родился 28 сентября в Караваджо, деревне вблизи Бергамо, около Милана. Его мать Лючия Аратори – вторая жена его отца Фермо, архитектора, декоратора, который служил у Франческо I Сфорца, маркиза ди Караваджо. В семье было пятеро детей.

Раннее детство прошло в Милане. Спасаясь от чумы, семья Караваджо вернулась в Бергамо, но его отец и дядя умерли во время этой эпидемии. В 1853 году умирает маркиз да Караваджо, и его наследником становится Констанца Колонна. В возрасте 13 лет Караваджо возвращается в Милан и поступает в мастерскую к пользующемуся хорошей репутацией живописцу Симоне Петерцано, ученику Тициана.

В период ученичества Караваджо в искусстве Европы и Италии, в частности господствовал маньеризм; параллельно существовал болонско-римский академизм, застывший в имитации великих римских и венецианских художников. В живописи получил развитие ломбардский стиль, художники которого ориентировались на реалистическое отображение жизни. Микеланджело Меризи оказался под сильным влиянием этого нового направления.

В ранних произведениях Микеланджело легко прослеживается влияние живописи Петерцано, великих мастеров эпохи Возрождения – Леонардо да Винчи, Лоренцо Лото, великих венецианцев – Джорджоне, Тициана, Джованни Грегори. Молодой художник также изучал работы Андрея Мантеньи – великолепного мастера перспективы, а работы художника Высокого Возрождения Джованни Джироламо Савальдо помогли подойти к открытию эффекта светотени. Петерцано был для своего времени прогрессивным педагогом. В обучении он делал акцент на технике живописи, без которых нельзя достигнуть вершин мастерства. Когда Караваджо исполнилось 18 лет, он, полный страстного желания работать самостоятельно, отправляется в Рим.

Юный Караваджо хотел покорить мир. А Рим был культурной столицей Италии, а значит и всего мира. Маршрут его путешествия неизвестен, но мы можем предположить, что он видел многие великие произведения искусства. Молодому человеку предоставляет кров Пандольфо Пуччи, прелат папского двора, человек тонкого художественного вкуса, однако с сомнительной репутацией. Он был младшим братом кардинала, который, со своей стороны, опекал также «робкого» Бенвенута Челлини. Прелата очаровали талант, ловкость молодого художника, его взрывной, неуступчивый характер, и он пригласил Караваджо в свой дом, полностью обеспечив его существование. В качестве награды за такое благодеяние он пожелал, чтобы Караваджо исполнял для него копии с благочестивых церковных картин. Монсеньёр Пандальфо Пуччи отсылал их затем в монастырь капуцинов в Реканати – место своего рождения. К сожалению, ни одной из этих копий найти не удалось.

Караваджо пишет первые произведения с простыми сюжетами: «Мальчик, укушенный ящерицей», «Мальчик, чистящий грушу», «Мальчик с розами в вазе». Создает картину «Музицирующие мальчики», в которой изображает самого себя в образе музыканта – это первый автопортрет Караваджо. Художник тяжело заболевает римской лихорадкой. Караваджо выжил. Отныне тема смерти, болезни, как далекое эхо пережитого, звучит во многих его картинах.

Караваджо пишет одну из самых известных своих картин – «Больной Вакх». В ней он создает второй, после музыканта в картине «Музицирующие мальчики», автопортрет. Ему оказывает покровительство один из самых известных кардиналов мира – Дель Монте. Хорошо обеспеченный и защищенный от всех невзгод, а может быть и влюбленный, Караваджо начал привыкать к спокойной жизни. Но это не повлияло на остроту его живописного языка, который со временем отточился еще больше. Он был поглощен поисками драматических сюжетов, а при воплощении своих замыслов прибегал к игре света и тени, богатству контрастов, придававшим его произведениям жизненную силу и убедительность. В картине «Кающаяся Магдалина» он создает свой первый женский образ. Некоторое время спустя Караваджо пишет своего следующего «Вакха» - на этот раз в образе античного бога он изобразил пышущего здоровьем юношу. Художник провоцирует первую стычку с правосудием, совершает первые проступки в своей длинной череде преступлений, которые в итоге заканчиваются вынесением приговора о смертной казни за совершенное им убийство.

В 1600-1604 годах Караваджо выполняет два крупных заказа: для церкви Сан Луиджи Деи Франчези «Обращение апостола Матфея», «Мученичество апостола Матфея» и церкви Санта Мария дель Пополо «Распятие апостола Петра», «Обращение Савла». Эти произведения стали вершиной в творчестве Караваджо и в то же время вызвали скандалы в церковных кругах. Та же участь постигла и «Успение Марии», и «Мадонну Палафреньери». Для этих картин позировали женщины легкого поведения, что явилось одной из причин их отклонения духовенством.

Происходит ссора из-за проститутки и Караваджо наносит оскорбление представителю городской аристократии; после стычки, он вынужден бежать в Геную. Пишет монументальные картины на религиозные сюжеты. В апреле 1604 года произошла драка в Альберго дель Моро, спровоцированная Караваджо. Вскоре возникает еще более серьезное дело: был убит страж порядка. Подозрение в этом убийстве падает на художника. Караваджо сажают в тюрьму и подвергают пыткам, но ему удается бежать.

Караваджо пишет картину «Мадонна ди Лоретто» («Мадонна с пилигримами»). В мае 1604 года Караваджо убивает Томассоне, которого заподозрил в обмане во время игры в мяч, и вынужден покинуть Рим.

Художник попадает в списки разыскиваемых преступников. Он находит убежище у герцога Колонны. В конце 1606 года он направляется в Неаполь, там создает картины «Воскресение Христа», «Бичевание Христа», «Бичевание Христа, привязанного к колонне», «Семь дел милосердия» и «Мадонна дель Розарио» («Мадонна с четками»). После окончания последней, художник ссорится с монахами-доминиканцами. Он знаменит, почитаем, но все еще ждет помилования папы. Караваджо покидает Неаполь и едет на остров Мальта.

В 1607 – 1608 годах Караваджо стремится стать рыцарем Мальтийского ордена, так как это могло бы обеспечить ему помилование и возвращение в Рим. На Мальте он пишет монументальные картины для базилики Сан Джованни и выполняет два портрета магистра ордена. Он становиться рыцарем. Однако удача вновь отворачивается от художника. Караваджо исключили из ордена «как испорченного и позорящего орден брата». Художник вынужден бежать.

Он плывет на корабле в Сиракузы, на остров Сицилию. Затем направляется в Мессину и в Палермо и пишет там, постоянно находясь под угрозой эмиграции и болезни, великолепные произведения: «Воскрешение Лазаря», «Рождество», «Се человек». В конце 1609 года Караваджо принимает решение вернуться в Неаполь.

Все еще в ожидании папского помилования, художник пишет картины «Распятие апостола Петра» и «Давид с головой Голиафа» с последним автопортретом.

Второй неаполитанский период творчества Караваджо был очень плодотворен. Мы обязаны ему возникновением таких величественных произведений как «Иоанн Креститель», «Мученичество святой Урсулы». В них явственно ощущается дыхание смерти, как будто Караваджо не только предчувствовал, но и поверил в свой близкий конец. В Неаполе он становится жертвой покушения.

Слухи о его гибели распространяются в Риме, однако Караваджо только ранен. Художник покинул Неаполь. На борту фелюги он плывет вдоль берега в северном направлении. Недалеко от Рима в Порто Эрколе, который в те времена контролировался испанской армией, Караваджо сходит на берег, где вскоре художника находят мертвым. Караваджо не было даже 40 лет.

«Юноша с корзиной фруктов».

Эта картина одна из ранних работ художника, она написана около

1593-1594 годов. Это калярный портрет молодого юноши с элементами натюрморта – корзина фруктов. Караваджо изображает модель в полфигуры, что станет типичным и для его последующих работ. Обращает на себя внимание то бесхитростное выражение лица и одежда юноши. Возможно, здесь также скрыта аллегория: образ мальчика с обнаженными плечами, указывает на принадлежность к римским низам. Художник часто приглашал для позирования людей из низов, мало заботясь о реакции общества. Согласно его творческому кредо, правдивое отображение жизни, основанное на изучении натуры, должно иметь приоритет перед всеми искусственными критериями. Караваджо любил изображать на своих картинах фрукты. Многие обвиняли его в том, что часть из них изображалась на полотне в несвежем виде. Но и это мало волновало художника.

Одной из отличительных особенностей живописи Караваджо является то, что он обладал способностью писать картины в неимоверно быстром темпе, создавая сложные композиции сразу же на холсте. Это подтверждает то обстоятельство, что до сих пор не было найдено ни одного эскиза, рисунка или гравюры художника. Картина «Юноша с корзиной фруктов» написана маслом на холсте 70 на 67 см. эту картину немного позднее папа Павел V подарит своему племяннику Шипионе Воргезе. В данный момент она находится в галерее Воргезе в Риме.

Все полотна Караваджо наполнены контрастами. Не исключение и «юноша с корзиной фруктов»: яркие зеленые и уже увядшие желтые листья, сочные и спелые фрукты рядом с несвежими плодами соседствуют в его корзине.

Удивляет и богатая палитра красок - белые одежды, яркие фрукты, зелень и серо-зеленый, переходящий в черный фон. Возможно, именно на этом этапе своего творчества Караваджо подходит к открытию эффекта светотени.

Лютнист.

Примерно в 1596 – 1597 годах Караваджо написал своего знаменитого «Лютниста». В это время он проживал у монсеньора Пуччи. Прелата очаровали талант, ловкость молодого художника и он обеспечил его существование. У Караваджо, было много времени для обдумывания и воплощения своих замыслов. Он мог выбирать любые сюжеты и обладал полной творческой свободой. Особенностью этой картины можно считать то, что художник написал ее дважды. Первый экземпляр храниться в Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Во второй версии этой картины, которая выставлена в музее Метраполитен в Нью-Йорке, изображен тот же музицирующий мальчик, но из композиции исчезли цветы и фрукты. Кроме того, в первой версии картины, на изображенной художником партитуре можно прочесть интригующую надпись: «Voi sapete chiov ato» («Вы знаете, что я вас люблю?»). Эта надпись была по-разному истолкована обществом. Многие относили ее на счет юноши, изображенного на картине, ведь модели художника часто были его возлюбленными. Юноша пребывает в глубокой задумчивости, перебирая струны лютни – струнного музыкального инструмента с заломленным грифом.

Картина «Лютнист» написана в характерном для Караваджо бытовом жанре. Перед юношей с лютней на столе лежат скрипка, ноты и фрукты. С отточенным мастерством написаны все эти предметы. В своей плотной окружности, вещественности, осязаемости. Достижением Караваджо является ограниченное первоклассное соединение нескольких постановок натюрмортов. Цветы, фрукты, ноты, скрипка – каждый из этих предметов мог бы стать полновесным натюрмортом. Таким образом, можно считать Караваджо предвосхитившим появление натюрморта.

Караваджо утверждает превосходства непосредственного воспроизведения жизни. Болезненному изяществу еще распространенного маньеризма и патетики развивающегося барокко, он противопоставляет простоту и естественность повседневного.

Обобщая формы, выявляя существенное, он наделяет значительностью самые простые предметы. Его полуфигурная композиция точно построена, в ней есть строгая закономерность, целостность, замкнутость, сближающая автора с мастерами Возрождения. В этом полотне Караваджо использовал прием тенеброзо. Светотенью выполнены лицо и фигура юноши. Темный фон подчеркивает насыщенность выступающих вперед светлых тонов. Предметность всего представленного и создает контраст фона и одежд музыканта.

Картина написана маслом на холсте больших размеров 100 на 126. 5 см прямоугольного формата.

Недавно в государственном Эрмитаже попытались оживить эту картину – было исполнено произведение по нотной партитуре картины. Кроме озвученной музыки, источали аромат цветы и фрукты, представленные на столе. Эта одна из первых попыток оживить картину, и неслучайно в качестве эксперимента была выбрана работа Караваджо.

Больной Вакх.

В 1592 году Караваджо тяжело заболевает римской лихорадкой, которая свирепствовала на всем полуострове. Его друг Лонга отвез художника в монастырский госпиталь для бедных Санта Мария дела Консолационе. Там художника поместили в темном подвальном помещении, в комнате смертников. Своим спасением он обязан приору госпиталя испанцу сеньору Контерасу, который случайно проходил мимо и узнал его. Контерас попросил переложить смертельно больного в другое помещение и приставить к нему сиделок. Очевидно, благодаря этому Караваджо выжил.

Почти шестимесячное пребывание в госпитале, страх и боль, сопутствующие болезни не могли не оставить глубокий след в душе художника. Все эти переживания впоследствии отразились на его творчестве. Так около

1593-1594 годов Караваджо пишет одну из самых известных своих картин – «Больной Вакх». Это второй, после певца в картине «Музицирующие мальчики», автопортрет художника.

Фигура Вакха написана в зеркальном отражении: одутловатое тело, бледный цвет лица, тусклые глаза – все свидетельствует о тяжелом состоянии, в котором Караваджо находился после болезни. В «Больном Вакхе» художник создал образ Бога, который больше не может наслаждаться своими символами – ветвью винограда и персиками. Именно свое душевное состояние стремиться донести до зрителя в этой работе художник. Портрет выполнен в свойственном для Караваджо полуфигурном жанре, в манере тенеброзо. На темном фоне, словно высвечена софитами фигура Вакха. Он одет в белую тунику, на его голове лавровый венок, среди зеленых листьев которого встречаются уже увядшие. В руках у Бога гроздь винограда, в которой тоже видны испорченные плоды. Все это подчеркивает его болезнь.

Как и на других своих полотнах Караваджо использует в композиции картины элементы натюрморта – персики и виноград в правом углу картины. Но в отличие от других картин художника этот натюрморт очень мал и беден. В нем нет той игры и буйства красок.

Картина написана в прямоугольном формате 57 на 63 см маслом. В настоящее время она украшает экспозицию в галерее Воргуе в Риме.

Это полотно родом из того времени, когда Караваджо пытался жить на свои средства, продавая свои картины. У него не было постоянного источника заработка. Художник был вынужден отправиться к своему торговому агенту Валентину, который советует ему начать писать картины на религиозные темы, так как спрос на церковную живопись был огромным.

Караваджо принял предложение и даже получил краски и кисти, но через какое-то время принес своему торговому агенту второго «Вакха». На этот раз художник изобразил античного Бога пышущим здоровьем. Это был толстощекий юноша с характерными для многих моделей художника немного тяжеловатыми веками. На голове Вакха красуется традиционный венок из листьев виноградной лозы, а на столе стоит наполовину опустошенный графин. Он протягивает зрителю бокал вина, предлагая разделить его радость.

Рука юноши изображена в сильном перспективном сокращении, называемом ракурс. На переднем плане картины мы видим излюбленные фрукты художника. Но некоторые подробности бросаются в глаза: слегка увядшие листья в венке и несвежие подпорченные фрукты. Это первая картина Караваджо, о которой его биограф Джованни Дальоне скажет: «Вакх с несколькими ветками винограда, окрашенными в разные цвета, написан с большой трогательностью, а также с определенной резкостью и сухостью манеры». Обращает на себя внимание фон, на котором изображен Вакх. Он несколько темнее высветленного переднего плана. Это излюбленный прием художника – тенеброзо – резкое противопоставление света и тени.

На этом полотне Караваджо использует типичную для своих работ полуфигурную композицию. Картина написана в прямоугольном формате на холсте 85 на 95 см маслом. Мы не знаем, принял ли заказчик «Вакха» или это произведение совсем не поступало в продажу, только в 1916 году оно было заново открыто Роберто Лонги. К тому времени имя художника «с дурной репутацией» было практически забыто и для многих работ практически приходилось доказывать авторство Караваджо. В настоящее время существует лишь одна картина, подписанная художником, которая украшает экспозицию галереи Уффици во Флоренции.

Успение Марии.

Картина «Успение Марии» была написана Караваджо для капеллы Керубини в церкви Санта Мария делла Скала ин Трастевере по заказу нищенствующих монахов-кармелитов при посредничестве маркиза Джустиниани. Она должна была стать самой большой картиной капеллы.

На этом полотне Мария умирает в бедной комнате, убогая обстановка которой состоит из вызывающего ложа, стула и чаши для омовения. Разумеется, монахи-кармелиты картину не приняли. И на этот раз не обошлось без слухов, что художник использовал в качестве модели утопленницу, выловленную в Тибре. Обстановка комнаты многим напоминала городской ночной бордель. Это было святотатство! Разгорелся скандал! Караваджо подвергал себя опасности быть схваченным инквизицией.

Полотно долго не находило покупателя. По совету Рубенса его приобрел мантуанский герцог Винченцо Гонзала для своей коллекции. Рубенс был восхищен силой и смелостью живописи Караваджо и его мастерством передачи светотени. Сейчас это полотно находится в Лувре.

Картина рассказывает нам о том, как выглядит смерть женщины из простого народа. Она выполнена в историческом жанре, а сюжет взят из Библии. Полотно покорят зрителя, прежде всего, реалистичной достоверностью, предельной убедительностью и эмоциональной насыщенностью образов. для большего воздействия на зрителя, Караваджо при разработке многофигурных композиций применяет изобретенную им манеру освещения. Боль каждого стоящего у ложа впечатляет и получает неограниченную силу воздействия благодаря потоку света, борющегося с тенью. Свет падает слева и как бы изнутри, освещая мерцающие пламенеющие краски. Скорбь и потрясение присутствующих, выразительно подчеркнутая этим освещением, кажутся бесконечно огромными и неиссякаемыми.

Смертное ложе Марии прикрывает огромный красный занавес, который свешивается с потолочной балки. Этот занавес и красные одежды Марии в контрасте с темным фоном выполняют выразительную функцию света, усиливая трагизм и напряжение. Также художник использует и дополнительные цвета, которые при сопоставлении усиливают друг друга. В данном случае основной красный цвет (одежды Марии), усиливается зеленым, дополнительным цветом (одежды людей, стоящих за ложем).

Другим выразительным средством картины является линейная обратная перспектива (точка схода – склоненная голова рыдающей женщины). Картина очень контрастна, на ней соседствуют жизнь и смерть, резко отличаются и положения тел ее героев (Мария лежит, остальные стоят).

Работа выполнена в локальном цвете на холсте размером 369 на 245 см маслом.

Заключение.

Воздействие Караваджо на развитие Реализма в европейском искусстве было огромным. В самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов. Но еще значительнее было его влияние за рубежами Италии. Ни один крупный живописец того времени не прошел мимо увлечения караваджизмом, явившимся важным этапом на пути европейского реалистического искусства.

Караваджисты выступали против возвышения и далеких от жизни принципов академизма и ратовали за обращение к обыденной действительности, к прозаическому быту простых людей. Одной из характерных черт Караваджизма был пристальный интерес к проблеме света и его передачи в картине. Любовь к светотеневым эффектам придавала полотнам караваджистов особенную жизненность, полную трепетности атмосферу реального окружения. Караваджисты сознательно разрушали созданную академизмом границу между зрителем и искусством. Очень часто их модели обращаются непосредственно к тому, кто созерцает картину, улыбаются ему, жестикулируют. Образуется непосредственный контакт со зрителем. Особенно большую популярность у художников Караваджизм приобрел в Голландии. В городе Утрехте караваджисты объединились в группу. Самым ярким представителем утрехтского Караваджизма был Тербрюгин Хендрик.

Тербрюгин Хендрик (1588 – 1629гг) – голландский живописец. Учился в Утрехте у А. Блумарта. В 1604 – 1614 годах работал в Италии, затем в Утрехте. Один из ведущих мастеров утрехтского караваджизма. Тербрюгин писал преимущественно полуфигуры певцов и музыкантов, религиозные и мифические композиции, трактованные как жанровые сцены. Зрелые произведения Тербрюгена выделяются созерцательностью эмоциональной атмосферы, мягкими, но отчетливыми светотеневыми контрастами, материальной осязаемостью пластической лепки серебристым тональным колоритом.

Среди других последователей Караваджо мне хотелось бы выделить Диего Веласкеса и Жоржа де Латура.

Произведения Диего Родригеса де Сильва Веласкеса справедливо считаются вершиной испанской живописи XVII века. Никто из современников не мог сравниться с ним в широте художественным интересов и виртуозности кисти. Живописец увлеченно изучал античную историю и культуру, итальянское Возрождение и современное ему Барокко. Сохранив национальную самобытность, Веласкес впитал в себя все богатство художественной европейской традиции.

Жорж де Латур (1593-1652гг) французский живописец. Испытал воздействие Караваджо и мастеров нидерландского караваджизма. С 1620 года Латур работал в Люневиле, с 1639 года он – «живописец короля». Ранние жанровые сцены Латура («Шулер». Лувр. Париж), религиозные композиции зрелого периода отмечены лирической созерцательностью, пластической обобщенностью форм, сдержанным колоритом, выдержанном в теплых тонах, сияние мягкого, рассеянного света, придающего духовность и тонкую эмоциональность бытовым мотивам. Искусство Латура после его смерти было забыто и открыто вновь лишь в начале ХХ века.