Музыка – одно из условий духовной жизни человека

В словаре С. И. Ожегова слово «музыка» имеет 4 значения: 1. Искусство, в котором переживания, чувства и идеи выражаются ритмически и интонационно организованными звуками, а также сами произведения этого искусства. 2. Исполнение таких произведений на инструментах в отличие от вокального искусства. Два других значения – переносные. Нас интересуют первых два. Музыка – это самое яркое творение человечества с древнейших времен и до наших дней. Она живет в нашей душе, сопровождая человека с младенчества, с первой колыбельной песни и до последних минут жизни. В музыке можно выразить чистоту и искренность чувств, глубину переживаний.

Чем отличается музыка от других видов искусства? Сравним между собой былину об Илье Муромце, Добрыне Никитиче и Алеше Поповиче, картину художника В. Васнецова «Богатыри» и «Богатырскую» симфонию А. П. Бородина.

Неведомые создатели былины сложили её из слов. Художник написал картину красками на холсте. Композитор сочинил симфонию, вслушиваясь в звуки. Эти три произведения относятся к разным видам искусства – литературе, живописи, музыке.

Но, сравнивая былину, картину и симфонию, мы увидим не только различия между ними. Мы обнаружим в них и много общего. Прежде всего – содержание. И поэт, и художник, и композитор каждый своими средствами рассказали людям об одном и том же: о славных богатырях, оборонявших от врагов землю русскую.

Какое из этих трёх произведений оказалось для вас наиболее понятным, доступным?

Пожалуй, большинство назовут картину. И в самом деле, к картине подошёл – и сразу увидел, что рассказал художник.

Потом былина. В ней богатыри как бы нарисованы словами. Читаешь в книге слова, а в голове возникает картина.

Сложнее всего понять содержание симфонии. Но Бородин назвал свою симфонию «Богатырской» - и нам ясно, что в его музыке прославлена могучая сила и справедливость русского народа.

Возможно, кто-то, и не зная замысла композитора, представит себе богатырей. У других слушателей эта музыка может вызвать иные образы, например грозный океан или вековой лес. Однако можно быть совершенно уверенным, что никто, слушая «Богатырскую» симфонию, не представит себе порхающей бабочки или журчащего ручейка. Любой из нас отличит грустную мелодию от веселой, бурную лезгинку от задумчивого северного хоровода, военный марш от шутливой песенки.

Музыка заставляет сопереживать, она живет в нашей душе, она сопровождает каждое событие в нашей жизни.

Актуальность работы.

Невозможно представить себе жизнь современного человека без музыки. Мы слышим ее везде и практически всегда. Бывают моменты, когда мы слушаем звуки музыки, не задумываясь о них, они не волнуют нас. А ведь есть серьезная музыка, которая не всем понятна. Как научиться понимать ее? Не надо ждать, пока она увлечет, взволнует, захватит. Не увлечет, если не приложить к этому усилий.

А ведь есть такая музыка, которая может и взволновать, и увлечь, и захватить. Это разножанровая музыка. Возможно, не все ее понимают. Но люди понимают одно: любая музыка необходима человеку как воздух, вода, хлеб, семья, Родина.

Литература, написанная о музыке, велика и многообразна. Есть книги, где рассказывается об истории музыки, о музыкальных инструментах, о великих композиторах. Речь идет и о том, когда и как появилась классическая музыка, кто создавал ее, какова была ее дальнейшая жизнь.

Н. Колосова в книге «Здравствуй, музыка» пишет о том, что «создает музыку народ, а композиторы ее только обрабатывают». Это не значит, что композиторы только перекладывают ее для фортепьяно или скрипки. Веками выражал народ в музыке свои мысли, чувства, мечты. Творец музыки имеет одну цель: глубоко и правдиво передать в своем искусстве жизнь своего народа. Книга Н. Колосовой доступно знакомит нас с историей музыки, музыкальных инструментов, творчеством великих композиторов.

Г. Левашева в книге «Второе рождение музыки» пишет о том, как рождается музыкант.

А в книге «Беседы о музыке» Е. Домриной речь идет о выразительных средствах музыки, она знакомит широкий круг читателей с особенностями музыкального мира.

Маленькая энциклопедия В. Васиной-Гроссман знакомит с музыкальной культурой различных стран: Австрии, Америки, Англии, Болгарии, Венгрии. Глубоко, со знанием дела, заинтересованно пишет автор об истории музыки этих стран.

§ 1. Первые звуки музыки.

То, что протяжный, долгий звук красивее и выразительнее короткого, отрывистого, человек понял уже очень давно. Очевидно, моля, заклиная о чём-то невидимых духов, он пробовал тянуть звук, старался делать свой голос певучим. Может быть, так всё это было, может быть иначе, однако самые древние песни, которые мы знаем,- это именно такие вот заклинания духов. В то время духов боялись, им старались угодить, поэтому и придумывали заклинания. Их трудно даже назвать песнями; мелодии их ещё очень просты и примитивны, но всё-таки это уже были первые песни.

Однако трудно представить себе, что заклинания были единственным видом музыкального творчества доисторических людей. Конечно, были тогда и другие песни, связанные с повседневной жизнью. Из этих песен и выросло впоследствии всё музыкальное искусство.

Если вы заглянете в сборники старинных народных песен, то найдёте там множество таких, которые посвящены самому главному в жизни человека - труду, работе. В них не только рассказывается о труде – многие из них и созданы для того, чтобы их петь во время работы. Это песни – помощники. Их мелодии, ритмы приспособлены к движениям человека во время того или иного труда.

Идет человек по полю, медленно, не торопясь, зачерпывает из лукошка зерно и широким плавным жестом рассеивает его по вспаханной земле. Одна песня.

Налились травы на лугах, пора косить. Идут друг за другом косари. Дружно, враз взмахивают косами: «раз-раз-раз» - шелестит трава под острыми лезвиями. Тут уж не запоешь плавную, протяжную песню. Очевидно, она должна быть энергичнее, чётче.

Созрела рожь. Вышли на поля женщины с серпами – новая песня.

Молотят рожь на току – тоже поют.

Зима настала – и тут в долгие зимние вечера, за веретеном или прялкой, не обойтись без песни. Шли на бой с врагом – пели песню боевую. А возвращались домой с победой, приносили с охоты богатую добычу, собирали хороший урожай – в бурных, ликующих песнях выражали радость и торжество.

Песни – заклинания сохранились до нашего времени потому, что они изменялись очень медленно и мало. Ведь они были частью религиозного обряда, а религия всегда развивалась медленно, изменялась мало и очень отставала от жизни.

Народ верил в Бога, боялся стихийных сил природы. Чтобы выжить, надо было много трудиться. Труд подчас был невыносимым. И тогда душа восставала. Человеку хотелось выразить себя не только в физическом труде, но и в чем-то другом. На помощь приходила песня, то печальная протяжная, то задорная, веселая.

Сложнее становился труд, выше разум, глубже и тоньше переживания человекаЭто отражалось в песнях и танцах, в мелодиях, которые создавали люди. Новые инструменты рождали новые звуки. Музыка делалась богаче, разнообразнее. Пела душа народа, пела и в горе, и в радости.

У каждого народа создавалось своё музыкальное искусство. Постепенно складывались характерные только для данного народа созвучия, ритмы танцев, манера пения.

Так, например, в России сложился свой, особый склад русской песни – широкий, напевный. На протяжении русской истории рождались песни горестные и гневные, весёлые и комические, могучие и вольные.

Не было такого крупного события, которое не отразилось бы в русской песне. Народ создал песни о Емельяне Пугачеве, об Отечественной войне 1812 года, о Бородинском сражении.

В суровом 1941 году, когда на нашу Родину напали фашисты, в окопах переднего края, в госпиталях и партизанских землянках, в бараках фашистских лагерей смерти рождались новые песни – о героизме, стойкости, несокрушимом духе советских людей.

Песня напоминала о доме, о семье, о совместных радостях в мирное время, а значит, помогала бойцам.

Песни создавались и создаются все время. Народ не перестает творить своё искусство. Но из тысяч и сотен мелодий с годами народ отбирает самые лучшие.

«Народ, - говорил М. И. Калинин, - это все равно что золотоискатель, бриллиантоискатель: он выбирает, сохраняет и несет, шлифуя на протяжении многих десятилетий, только самое ценное, самое гениальное».

Многим знакомы слова Михаила Ивановича Глинки о том, что создает музыку народ, а композиторы её обрабатывают. Это вовсе не значит, что композиторы просто записывают народные песни, танцы и перекладывают их для фортепьяно, скрипки или целого оркестра. Мысль Глинки гораздо глубже.

Веками выражал народ в музыке свои мысли, чувства, мечты. У творца музыки нет выше цели, как глубоко и правдиво передать в своем искусстве жизнь своего народа. А для этого композитор должен сам проникнуться мыслями и стремлениями народа, жить его духовной жизнью.

Вот почему композиторы не перестают в народном творчестве черпать своё вдохновение.

§ 2. Античная музыка и музыка древнего мира.

Музыка сопутствовала человеку на всём протяжении истории. Но какой она была в те времена? Целые тысячелетия существования древнейших цивилизаций - Шумеро-Вавилонии, Древнего Китая, Египта – погружены для нас в безмолвие. А ведь музыка там звучала, о её участии в обрядах, в ритуальных драматических представлениях говорят сохранившиеся литературные памятники, археологические раскопки показывают, что, например, у древних вавилонян ещё в третьем тысячелетии до нашей эры были в ходу музыкальные инструменты: флейта, трёхструнная лира и другие. На фресках в египетских храмах мы видели группы музыкантов, играющих на лире, арфе, двойном гобое, аккомпанирующих певцам, танцовщицам, акробатам. Мы знаем, что при дворе вавилонских властителей и египетских фараонов существовали хоры и ансамбли музыкантов, включавшие до 150 участников. Но эта музыка давно и навсегда умолкла. Почему это произошло? Можно предположить, что ее не записывали: нигде не обнаружено нотных знаков.

Почти неслышные отзвуки музыки далёких веков долетают к нам из Древней Греции. Её искусство сохранило на века, по словам К. Маркса, значение «нормы и недосягаемого образца».

Древнегреческая лирическая поэзия была неотрывна от музыки, и само слово «лирика» в буквальном смысле означало пение в сопровождении лиры. Музыка была существенным элементом и греческой трагедии: диалоги декларировались нараспев, а хоры пелись. Хор, в сущности, был главным участником трагедии, его устами разъяснялись суть и смысл происходящего действия. Это был как бы голос автора и одновременно голос народа. Именно хор давал оценку событиям. Вот почему, например, хор из «Антигоны» Софокла стал гимном Афинского государства. Слова его звучат гордо:

В мире много сил великих,

Но сильнее человека

Нет в природе ничего.

Музыка Древней Греции имела воспитательное значение. Она поднимала дух людей, укрепляла силы.

Из Древней Греции дошло до нас и несколько отрывков самой музыки: мелодия оды (хвалебной песни) греческого поэта Пиндара, застольная песня, несколько гимнов. Но отрывков этих мало, и они удалены друг от друга на столетия. Гораздо больше мы знаем о музыкальной науке древних греков. Греческий учёный Пифагор положил начало музыкальной акустике, исследуя соотношение длины струн и высоты их звучания. Было подробно разработано учение о ладах (порядок и согласованность звуков музыкального произведения). Греки стремились научно обосновать воздействие музыки на эмоции человека и связывали это со строением лада (точнее, мелодии в этих ладах). Одни укрепляют мужество и стойкость, другие, наоборот, изнеживают.

Всё это говорит нам о том, что музыка в древнегреческой культуре занимала важное место, а сама музыка все же остается почти неизвестной. Но знаменательно то, что умолкнувшая музыка породила необычайно гулкое эхо, звучащее до наших дней. Греческие мифы, греческие трагедии обрели вторую жизнь в музыкальном искусстве всех народов. Композиторов привлекали и чисто художественная их сторона, и, главным образом, ясность выражения нравственного смыла, безоговорочное осуждение зла, возвеличение силы человеческого духа, героизма, самоотверженности. Примером может быть миф об Орфее, прославляющий и великую силу искусства, и силу самоотверженной любви. Певец Орфей, которого заслушивались даже дикие звери, бесстрашно проник в мрачный Аид – царство мёртвых, - чтобы найти там горячо любимую жену Эвридику, внезапно и безвременно умершую. Своим пением он пробудил сострадание в жестоких богах Аида, и те возвратили ему Эвридику. Но он потерял ее вторично, нарушив запрет ни разу по дороге не взглянуть на любимую. Сюжет этот (обычно с измененным, счастливым концом) был многократно использован в операх, с него и началась история этого жанра.

Нельзя не вспомнить и два произведения, созданные уже в XX веке: оперную трилогию С. Танеева «Орестея», заканчивающуюся гимном свету, разуму, справедливости, и симфоническую поэму Скрябина «Прометей», воссоздавшую античный образ титана, подарившего людям огонь и положившего начало развитию цивилизации.

Так из глубины веков доходит до нас голос далекого искусства, голос прекрасного детства и юности человечества.

§ 3. Древнерусская музыка.

Мы называем эпохой древнерусской музыки очень большой период времени. Он охватывает почти восемь столетий – от возникновения Русского государства в IX веке до реформ Петра I в конце XVII века. Все это долгое время русская музыка развивалась в двух областях – народной и церковной музыке.

Вспомним особый слой профессиональных музыкантов, который выделился в народной среде в то далекое время, – скоморохов. Так называли на Руси бродячих музыкантов, актеров, певцов и танцоров. Свои выступления скоморохи (их еще называли «потешниками») обычно сопровождали игрой на различных инструментах. Скоморохи ходили от деревни к деревне, пели, играли, устраивали представления. Иногда они нанимались на службу к какому-нибудь князю, иногда в своих путешествиях становились купцами. К их числу принадлежит киевский сказитель Боян, воспетый Пушкиным в поэме «Руслан и Людмила» и Глинкой в одноименной опере.

Уже в наши дни археологи при раскопках в Новгороде нашли множество музыкальных инструментов, принадлежавших когда-то скоморохам.

Церковная музыка в Древней Руси существовала в виде хорового пения без инструментального сопровождения. Музыкальные инструменты в православной церкви были запрещены. Более того, инструментальная музыка считалась греховной, бесовской. В такое противопоставление был заложен духовный смысл. В те времена считали, что в православном зале должно звучать только ангелоподобное пение, которое является отголоском небесной музыки. Такое пение воплощало в себе идеал красоты и дарило людям ощущение благодати, очищения, утешения, учило любить Бога и ближних. Исключение составляло только искусство игры на колоколах, получившее развитие в разнообразных формах простого звона, перезвона, трезвона и т. д.

Церковное пение служило образцом высшего профессионализма, воплощалось в самых различных формах в практической и теоретической системе, которая получила название «система осмогласия», т. е. чередование групп напевов по периодам в восемь недель. Древнерусские песнопения – стихиры, тропари, кондаки – по вдохновению, профессионализму исполнения и силе художественного выражения не уступают ансамблям древнерусского зодчества, фрескам Феофана Грека и Андрея Рублева.

Надо учитывать то, что у знаменитых песнопений не было конкретного автора. Человека, который их создавал, называли распевщиком. Он являлся интерпретатором, а не творцом новых песнопений. Они никогда не ставили своего имени. Ведь писали они эту музыку для Бога, а Бог и так знал, кто они. Кроме того, эти гимны можно считать плодом коллективного творчества. Каждый из них вносил в них какие-то изменения, дополнения, поправки. Как и в народных русских песнях.

Мы знаем, что народная музыка в те времена по традиции передавалась от поколения к поколению устно, «из уст в уста». Культовая музыка в эту эпоху записывалась особыми знаками, получившими название знамен, из которых самыми распространенными были крюки. Поэтому древние музыкальные рукописи называют знаменными, или крюковыми. Их расшифровка в наши дни стала одной из сложных и интересных задач музыкальной науки. Крюковые рукописи XI-XVI веков большей частью еще не расшифрованы.

В XVII веке музыкальная культура нашей страны, особенно хоровая, достигла очень высокого уровня. Это было время, когда наряду с традиционными жанрами музыкального искусства активно рождались новые жанры и формы. До этого хоровая музыка была одноголосной. Теперь ей на смену пришло многоголосие. А на смену крюкам пришла нотная запись, и возник стиль «партесного пения». Так тогда называли пение по нотам кантов и хоровых концертов. Эти концерты были важной переходной ступенькой от церковной к светской профессиональной музыке.

Кантами в то время называли трехголосные куплетные песни (лат. cantus-пение, напев, песня). Содержание кантов было самым разнообразным: раздумья о жизни и смерти, картины природы, восхваление исторических личностей, выражение человеческих чувств. Пели их небольшие ансамбли.

Самой сложной формой русской музыки XVII века был хоровой «духовный концерт». Слово «концерт» означает «соревнование», или, как говорили тогда, «борение». Кто же «боролся» в этом пении? Иногда из общего числа певчих выделялся ансамбль солистов, которые пели попеременно с большим хором. А иногда одна хоровая партия как бы вступала в спор с другой – альты с дискантами или тенора с басами. Но чаще всего композиторы той эпохи писали концерты, в которых состязались несколько хоров.

Но точнее будет сказать, что они не состязались, а разговаривали между собой. Духовный концерт представлял собой диалог, а не борьбу хоров. Очень часто создавался эффект эхо. Певцы «разговаривали» пением, музыкой. Это был особый разговор, душевный, идущий от сердца. Представьте, во время концерта певчие выстраивались похорно, один хор на небольшом расстоянии от другого. Получался стереофонический эффект. Тогда это называлось антифонным пением (дословно «противозвук»). Причем в таком пении русские певчие достигли огромных вершин. Композиторы писали концерты для трех и более четырехголосных хоров.

Из всего сказанного следует, что музыка в Древней Руси жила во всех слоях населения: и бедных, и богатых. Русский человек всегда жил не столько разумом, сколько душой. А душа «просила», «требовала», «приказывала» петь, страдать, сопереживать.

§ 4. Первые музыкальные инструменты.

Арфа – один из самых древнейших инструментов мира. Трудно назвать родиной арфы какую–нибудь одну страну: ее изображения обнаружены при археологических раскопках во многих странах Древнего Востока. Арфу считают прародительницей большинства народных струнных щипковых инструментов. Ее любили в древнем Египте, в Ассирии, в Греции, в Риме. В средние века она стала аристократическим инструментом, проникнув в королевские и царские дворцы и знатные салоны.

Ни один из инструментов не мог соперничать с внешней отделкой арфы. На выделку инструментов для особо богатых салонов шло красное, ореховое и даже лимонное дерево. Арфа украшалась позолотой, ценной инкрустацией, цветной живописью.

Волшебным инструментом называли арфу, восхищаясь ее нежным переливающимся звучанием.

В России арфа появилась около 200 лет тому назад, но на территории нашей многонациональной страны инструменты типа арфы известны с глубокой древности.

Современная арфа используется и как солирующий инструмент, и как один из инструментов оркестра. У нее от 45 до 47 струн разной длины и толщины, натянутых на треугольную рамку.

Возможно, найдутся люди, которые не видели арфы или органа, литовского канклеса или чувашского кёсле и не слышали, как они звучат, но можно с уверенностью сказать, что человека, не видевшего фортепьяно, не найти. Когда же появился этот инструмент? Кто его изобрел? Почему именно он стал «царем всех инструментов», как назвал его композитор А. Г. Рубинштейн?

Чтобы ответить на эти вопросы, нам придется отправиться в Древнюю Грецию, где музыка считалась величайшей силой. Например, Пифагор считал, что числовые соотношения – источник гармонии космоса, в котором каждая из небесных сфер характеризуется определенной комбинацией правильных геометрических тел и звучанием определенных музыкальных интервалов. Чтобы услышать эти соотношения, Пифагор взял четырехугольный ящик, разметил его стенки, укрепил внутри струну, сделал подвижную перекладину и назвал этот прибор монохордом (от лат. monos – один, horda – струна). Передвигая и прижимая к различным точкам перекладину, слушая, как изменяется звучание, Пифагор производил свои акустические опыты.

С течением времени количество струн на монохорде увеличивалось. Извлекая звук из такого инструмента, музыкант либо щипал струны, либо ударял по ним специальной палочкой – плектром. К средним векам струн насчитывалось уже около тридцати – играть становилось труднее. Поэтому была приспособлена клавиатура по примеру органа, который в это время был уже многозвучным клавишным инструментом. Так появился клавикорд с мягким, нежным звуком, легкий и удобный. Звук в нем добывался касанием струны маленьким гвоздиком, закрепленным на клавише. Позднее гвоздик заменили латунной пластинкой. На этом инструменте играл и Николай Ростов, и пушкинский Ленский: «Садился он за клавикорды и брал на них одни аккорды».

Клавикорд существовал долго. Однако тихое звучание его постепенно перестало удовлетворять запросы общества. Он не годился для больших салонов, где собирались любители музыки.

Появился клавесин, звук которого оказался гораздо сильнее и ярче. Мастера присоединили клавиатуру к цимбалам, между клавишами и струнами установили специальные толкатели с язычками из птичьих перьев, которые щипали струны, когда музыкант нажимал клавиши. По сравнению с клавикордом звук клавесина получался более суховатым, жестким, но зато более громким, звонким.

А пытливые мастера продолжали свои поиски.

И вот в 1711 году (по другим сведениям – в 1709) итальянский мастер Бартоломео Кристофори создал новый музыкальный инструмент, в котором впервые была применена молоточковая техника. Назвал Кристофори свое детище «гравичембало коль пиано е форте», то есть клавесин с тихим и громким звуком.

Примерно в то же время независимо друг от друга итальянские мастера, а также немецкие и французские изобретают такую же систему, совершенствуют ее, увеличивают количество струн, применяют разные материалы для обивки молоточков, устанавливают две педали для ног, благодаря которым звук мог приглушаться или, наоборот, продлеваться путем освобождения струн от глушителей. В конце концов инструмент удовлетворил все требования знаменитых композиторов и исполнителей, которые тоже вносили свои поправки, и одержал полную и безоговорочную победу над клавесином, клавикордом и органом. Теперь в домашнем кругу клавикорды и клавесины уступили место пианино, а на театральных и концертных сценах– роялю.

§ 5. Музыка в жизни великих людей.

Сын Л. Н. Толстого Сергей Львович Толстой, композитор и музыковед, пишет в своих воспоминаниях, что он не встречал в жизни человека, так сильно чувствующего музыку, как отец.

Музыкально одаренный, как все Толстые, Лев Николаевич был воспитан в атмосфере культа музыки; в доме играли и пели почти все: мать и отец, многочисленные гости, братья и сестры, крестьяне Ясной Поляны, шумная дворня.

Совершенно особое место в музыкальном мире Толстого с детства занимали народные песни. Толстой очень любил, когда его дочери Таня и Маша пели ему яснополянские песни.

В 90-х годах Толстой собрал и записал яснополянские мелодии и послал их Чайковскому для обработки. Правда, не имея музыкального образования, Толстой записал их довольно неумело, на что указал ему Петр Ильич в своем ответном благодарственном письме. Между Чайковским и Толстым завязалась переписка. Многие мысли Толстого о музыке были близки Петру Ильичу. В одном из писем к П. И. Чайковскому Толстой написал: «Музыка – высшее в мире искусство».

Музыкальное образование Толстого было домашним, любительским – он много музицировал, аккомпанировал приезжающим в гости певцам, играл с женой, также страстно любившей музыку, в четыре руки, даже сочинил вальс, впоследствии записанный Гальденвейзером.

Музыка доставляла Толстому физическое наслаждение. В этом сходятся все, кто видел его слушающим музыку. «Я, ложась спать, - говорил сам Толстой, - снимаю сапог, а из него выскакивает какой-нибудь мотив». Эта власть музыки над душой очень сильно занимала великого писателя. Со свойственным ему упорством стараясь докопаться до скрытого смысла всякого переживания, всю жизнь он пытается понять, определить, что же такое музыка, в чем ее сила. В разные периоды своей жизни он определяет ее по-разному:

«Музыка – это стенография чувств». «Искусство есть деятельность человека, состоящая в том, что один человек внешними знаками передает другим испытываемые им чувства». «Что это за страшная сила, музыка?!». «Музыка есть воспоминание о том, чего никогда не было». Под конец жизни в его дневниках все чаще встречается определение музыки, данное немецким философом Иммануилом Кантом: «Музыка – это наслаждение, чуждое долгу». И, наконец: «Но музыка хороша тем, что соединяет людей в одном чувстве».

1. Репин и музыка.

«Каждый вечер девки тут, собравшись, поют песни, играют в лапту, а мы около бегаем тетя Груня сейчас же затягивала какую-нибудь старинную песенку, и вся родня скоро была в родственных слезах восторга и пела хором». Эта впечатление от чистой красы протяжной и широкой, как Волга, русской народной песни Илья Ефимович Репин сохранил на всю жизнь.

Вспомните репинских бурлаков, согнувшихся от тяжкого своего груза, их утомленные мужественные лица; так и кажется, что сейчас запоют они знаменитую бурлацкую песню «Эй, ухнем!», чтобы помочь себе тянуть тяжелую лямку.

Музыка согревала всю жизнь великого художника. Репин признавался, что из всех искусств музыка была самым его любимым. Когда он, сын военного поселенца из небольшого городка Чугуева на Харьковщине, попал в Петербург, то в свободную от занятий в Академии художеств минуту забирался на хоры Дворянского собрания, где тогда проходили симфонические концерты, и с замиранием сердца погружался в неведомый ему дотоле мир симфонической музыки.

Глинка, Бородин, Римский-Корсаков, Лядов, Глазунов, Лист, Антон Рубинштейн – всех этих замечательных композиторов запечатлел на своих портретах Илья Ефимович Репин.

Некоторые музыкальные впечатления рождали у художника настолько горячий отклик, что вызывали непосредственное зрительное, живописное ощущение. Так, Репин вспоминал, что симфония Римского–Корсакова «Антар» натолкнула его на образ царя Ивана IV. «Эти звуки овладели мною, - признавался художник впоследствии, - и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване». Так под воздействием образов музыкальных, - а средние части симфонии дают звуковое воплощение образа мстительной, жестокой власти – родилась идея одного из сильнейших созданий русской живописи.

2. Прокофьев и Шекспир.

Более тридцати лет продолжается на сцене жизнь балета Сергея Прокофьева «Ромео и Джульетта». Постановка эта состоялась в Ленинградском театре оперы и балета им. С. М. Кирова. Вскоре после этого балет Прокофьева зазвучал на сцене Большого театра СССР, во многих театрах мира.

История любви Ромео и Джульетты (Шекспир заимствовал эту историю из старинных итальянских хроник) еще раз была рассказана музыкой: до того она становилась темой для очень многих музыкальных произведений – мы знаем оперу Гуно, симфонию Берлиоза, увертюру–фантазию Чайковского Каждый из этих композиторов раскрыл историю по-своему. Казалось, трудно было сделать что–то новое. Но Прокофьев сумел так передать главное – живой дух трагедии Шекспира, что его балет составил едва ли не эпоху и в истории музыки, и в истории театра, и в истории жизни шекспировских образов. Трагедию веронских влюбленных, живших много лет назад, композитор передал музыкой вполне современной, музыкой сегодняшнего дня, но передал так, что мы переживаем очень старую историю как свою – радость Ромео и Джульетты мы воспринимаем так, словно с ней умирает наша юность.

Такова сила прекрасной музыки, о которой не скажешь словами. Но, слушая балет, вы навсегда запомните тему любви Ромео и Джульетты – это светлая и широкая мелодия, открывающая Вступление, полюбите веселую, дразнящую тему Джульетты-девочки, танцы на балу у Капулетти Мы так и ощущаем спектакль – благодаря необыкновенной мощи фантазии композитора, театр стал жизнью.

Глава II. Современная музыка. Какая она?

Сейчас, в наше время, музыка звучит, пожалуй, всегда и везде. Мы не мыслим себе даже в будние дни жить без музыки. Современная музыка чрезвычайно разнообразна: классика, поп-музыка, рэп, рок, металл, кантри и т. д. список может быть большим. Наверное, все музыкальные вкусы могут быть удовлетворены. Множество жанров, существующих сейчас, не позволяют говорить о том, что один из них лучше, а другой хуже. Каждый возраст предпочитает свою музыку. И даже среди людей одного поколения могут быть разные музыкальные пристрастия.

§ 1. Роль музыки в жизни моих сверстников.

Среди моих сверстников немало людей, любящих разную музыку. Все мы слушаем современные мелодии и ритмы, и предпочтение отдаем чему-то одному. Но не все можем играть на каких-либо музыкальных инструментах, а ведь собственное исполнение облагораживает человека, делает его глубже, культурнее, нравственнее. Кроме того, мы знакомимся с классической музыкой, созданной талантливыми музыкантами. Их творения живут в веках. Однако мои сверстники предпочитают громкую музыку в стиле рэп и поп. Из 70 учащихся 9 и 11 классов только 10% интересуются классической либо духовной музыкой. Остальные предпочитают слушать рэп, рок, поп, джаз. На музыкальных концертах молодежь бывает редко, от случая к случаю, один-два раза в год. Нет обычая петь в семье, всем вместе. Ограничиваются застольными песнями. Анкетирование учащихся 9, 11 классов показало следующее:

Какую музыку вы любите слушать?

часто песни никто не я закончил что-то исполняются поет, не муз. школу напевают только слушает во время музыку застолья

9 классы 34 5 7 6

11 классы 16 7 1 1

4. Назовите хотя бы одного русского композитора и его произведение.

композитора только композитора не назвали неверно и произведение

9 классы 37 19 4 4

11 классы 12 0 6 3

Заключение.

Роль музыки в жизни человека огромна! Она была на протяжении всей истории человечества. Появившись на заре существования человеческого общества в виде гортанных звуков, она в течение долгого времени трансформировалась и оттачивалась человеком, уже не мыслившим себя без музыки. Человек стремился выразить себя, свою сущность по-разному: кистью, пером, звуками. И если кисть с пером – принадлежность индивидуального самовыражения, то звуки музыки – это то, что объединяет людей, примиряет, заставляет сопереживать.

Музыка неощутима и неуловима, как время. Она одновременно и возникает, и исчезает в пространстве. Но музыка при этом не только развлекает – она врачует, трудится, борется за правду и честь.

Никто не властен над временем, оно вечно! Так же вечна и музыка.